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Frank Peter Zimmermann Piotr Anderszewski

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Frank Peter Zimmermann Piotr Anderszewski
ZIMMERMANN
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XII CICLO DE
GRANDES SOLISTAS
AUDITORIO
PALACIO DE CONGRESOS ZARAGOZA
SALA MOZART
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«Pilar Bayona» 2009
lunes 27 de abril • 20,15 horas
Frank Peter Zimmermann
Piotr Anderszewski
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www.auditoriozaragoza.com
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Frank Peter Zimmermann
VIOLÍN
Frank Peter Zimmermann nació en Duisburgo (Alemania) en 1965. Empezó a tocar el violín cuando tenía 5 años y ofreció su primer concierto con
orquesta a la edad de 10.
Desde que terminó sus estudios con Valery Gradov, Saschko Gawriloff y
Herman Krebbers en 1983, Frank Peter Zimmermann ha actuado con las
mejores orquestas del mundo y ha colaborado con los directores más
famosos. Sus compromisos, tanto en recitales en solitario como con
orquesta, le han llevado a realizar conciertos en las salas y festivales más
importantes de Europa, EE. UU., Japón, Sudamérica y Australia.
Dentro de los proyectos de las temporadas 2007/2008 y 2008/2009 se pueden resaltar los siguientes: con la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la
batuta de Bernard Haitink, Orquesta Sinfónica de Boston con Markus Stenz,
Orquesta de Cámara de Europa dirigido por Bernard Haitink (Festival de
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Lucerna), Orquesta Sinfónica de Chicago dirigido por Pierre Boulez (incluyendo un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York), Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Daniel Harding, Orquesta de NDR
Hamburgo bajo la batuta de Christoph von Dohnányi (incluyendo una gira
en China), Orquesta Filarmonía bajo la dirección de Christoph von Dohnányi, Orquesta Sinfónica de Pittsburgh con Manfred Honeck, Orquesta
Filarmónica de Seúl dirigido por Myung-Whun Chung, Staatskapelle Dresden bajo la dirección de Fabio Luisi, y la Filarmónica de Viena dirigido por
Sir Simon Rattle. En diciembre de 2007 emprendió una gira por Australia y
Japón, de la cual hay que destacar las actuaciones con las Orquestas Sinfónicas de NHK, Sydney y Melbourne.
En enero de 2009, Frank Peter Zimmermann ofreció el estreno mundial del
concierto para violín de la compositora americana Augusta Read Thomas
con la Orquesta Filarmónica de Radio France en París. Con anterioridad
había estrenado ya el concierto de violín The Lost Art of Letter Writing de
Brett Dean con la Real Orquesta Concertgebouw, dirigida por el compositor en 2007 y el Concierto para violín «en sourdine» de Matthias Pintscher
con la Orquesta Filarmónica de Berlín y Peter Eötvös (2003).
Frank Peter Zimmermann es también un ávido músico de cámara, ofreciendo cada temporada numerosos recitales a lo largo de todo el mundo.
Sus interpretaciones del repertorio clásico, romántico y del siglo XX son
recibidas con una gran expectación tanto por parte de la prensa como del
público.
Sus colegas en el terreno de la música de cámara son los pianistas Enrico
Pace y Christian Zacharias, así como el violoncellista Heinrich Schiff. En
julio de 2007 interpretó, junto con el pianista Emanuel Ax, un programa
dedicado a Beethoven en numerosos festivales de verano de Alemania.
Con el pianista Piotr Anderszewski está ofreciendo recitales en Bruselas,
Múnich y varias ciudades de España a lo largo del mes de abril.
Durante los tres últimos años ha realizado numerosos proyectos con el
recién formado Trío de Cuerda, integrado por el violista Antoine Tamestit y
el violoncellista Christian Poltéra. Entre otras ciudades visitaron Ámsterdam, Amberes, Colonia, Londres, Milán, Múnich y París.
Frank Peter Zimmermann ha sido galardonado con el Premio del Accademia Musicale Chigiana, Siena en 1990. En abril de 1994 recibió el presti-
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gioso galardón In Rheinischer Kulturpreis 1994, y en octubre de 2002 el
Musikpreis de la ciudad de Duisburgo. En enero de 2008 obtuvo el Bundesverdienstkreuz 1. Klasse der Bundesrepublik Deutschland.
Sus grabaciones para EMI Classics incluyen conciertos de los más variados repertorios, abarcando desde Bach hasta Weill, así como diversas piezas de recital. Entre las grabaciones para Teldec Classics se pueden
encontrar el Concierto para violín de Ligeti con ASKO Ensemble y Reinbert
de Leeuw. Sony Classical es el sello con el que ha grabado el Concierto
para violín de Tchaikovski con la Orquesta Filarmónica de Oslo, dirigido por
Manfred Honeck, y el Concierto n.º 1 de Bruch con la Real Orquesta Filarmónica, bajo la batuta de Paavo Berglund. Asimismo, Zimmermann grabó
el Concierto para violín de Busoni con la Orquesta Sinfónica Nazionale de
la RAI y John Storgards, obra que es acompañada por la Sonata n.º 2 para
violín del mismo compositor, interpretada junto al pianista Enrico Pace.
Recientemente grabó para Sony las Seis sonatas para violín de J. S. Bach,
de nuevo con Enrico Pace. Muchas de estas grabaciones han recibido
prestigiosos premios y galardones en todo el mundo. Frank Peter Zimmermann grabó además, junto a Heinrich Schiff y para el sello ECM Records,
° J. S. Bach, Ravel y
los Dúos para violín y violoncello de Honegger, Martinu,
Pintscher.
Frank Peter Zimmermann toca un Stradivarius de 1711, que perteneció a
Fritz Kreisler, patrocinado por WestLB AG.
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© Robert Workman/Virgin Classics
Piotr Anderszewski
PIANO
Nacido en Varsovia, de padres polaco-húngaros, Piotr Anderszewski es
considerado, hoy en día, como uno de los pianistas más fascinantes de su
generación. Como visitante habitual de las salas de conciertos más importantes del mundo ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín, las
Orquestas Sinfónicas de Boston, Chicago, NHK y Londres, la Orquesta de
Filadelfia y la Orquesta del Royal Concertgebouw.
Piotr Anderszewski ha alcanzado también una gran reputación como
director e intérprete, colaborando con agrupaciones como la Orquesta de
Cámara Gustav Mahler y los solistas de la Filarmónica de Berlín, entre
otros. Además, mantiene una intensa y fructífera colaboración con la
Orquesta de Cámara de Escocia, formación con la cual, además de haber
realizado numerosas giras, ha grabado un disco que incluye los conciertos
en Sol mayor y Re menor de Mozart. También ha realizado grabaciones jun-
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to a la Sinfonía Varsovia, y más recientemente con Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.
Piotr Anderszewski ha obtenido numerosos premios con sus grabaciones
desde que en el año 2000 firmó su exclusividad con Virgin Classics. Su primer disco con esta discográfica fue las Variaciones Diabelli de Beethoven,
acontecimiento importante en su vida musical que quedó plasmado por el
famoso director Bruno Monsaingeon (también creador de documentales
sobre Sviatoslav Richter y Glenn Gould). Dentro de la discografía del pianista polaco también se pueden destacar Los conciertos de Mozart con la
Sinfonía Varsovia y un cedé de las Partitas n.º 1, 3 y 6 de Bach, obteniendo
una nominación a los Grammy. Su especial relación con la música de su
compatriota Karol Szymanowski ha sido captada en una alabada grabación de las Obras para piano solo de este compositor, grabación que recibió el premio FM Gramophone en 2006 como «Mejor Disco Instrumental».
Reconocido por sus intensas y originales interpretaciones, Piotr Anderszewski ha sido galardonado con numerosos premios. En abril de 2002
obtuvo el prestigioso premio Gilmore, galardón que se concede cada cuatro años a un pianista de talento excepcional. También ha sido destinatario del premio Szymanowski (1999) y del premio al «Mejor Instrumentista»
por la Real Sociedad Filarmónica en 2001.
Durante la primavera de 2009 está actuando en una serie de recitales en
Europa junto al violinista alemán Frank Peter Zimmermann. Sus compromisos como solista durante la temporada 2008/2009 incluyen además conciertos en el Carnegie Hall, Symphony Center en Chicago, Walt Disney
Concert Hall en Los Ángeles y el Royal Festival Hall en Londres, así como
en Roma, Colonia, San Petersburgo, París y Tokio.
Piotr Anderszewski vive actualmente en París y Lisboa.
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Comentarios al programa
El día de nochebuena de 1781 José II de Austria, gran metomentodo
que en diez años de reinado promulgó más de diecisiete mil leyes y
decretos, tuvo ganas de enredar. Convocó a palacio a Mozart y Clementi
–sin advertirles de la doblez del encuentro– y los puso a competir
tocando, amén de obras propias, improvisadas variaciones sobre un
tema de José II. Mozart venció, recibió cincuenta ducados, y adiós muy
buenas. Pocos años después, en 1800, el conde Von Fries organizó algo
parecido, pero el ganador fue premiado con apoyo económico duradero. Ludwig van Beethoven (Bonn 16 ó 17-12-1770, Viena 26-3-1827),
de él se trata, había logrado para los músicos pasar de asalariados
sujetos a los caprichos del patrón a autónomos protegidos –hoy diríamos subvencionados–. Hijo de la Revolución, Beethoven había logrado
la libertad de los de su clase.
Uno de los patronos más importantes de Beethoven fue en efecto el
conde y banquero Moritz von Fries. Su palacio vienés tenía un teatrillo
privado donde en abril de 1800 albergó una competición, acaso maliciosa, entre dos compositores y pianistas alemanes, Beethoven y
Daniel Steibelt. Ganó el primero y recibió un buen premio: la protección
de Fries, quien le proporcionó estipendios regulares hasta 1825 en que
cayó en bancarrota. Agradecido, el músico compuso y dedicó a Fries
dos sonatas para violín y piano –hoy Op. 23 y 24–, el Quinteto Op. 29 y
–en 1813– la Sinfonía n.º 7.
Compuestas entre 1800 y 1801, las dos sonatas fueron concebidas
como pareja (el manuscrito de la Sonata en Fa mayor rezaba Sonata II),
por lo que Beethoven ordenó al editor que ambas aparecieran como
Op. 23. Un grabador metió la pata imprimiendo las partes de violín en
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distintos formatos –vertical una, apaisado otra–, chapuza que obligó a
reimprimir las sonatas y publicarlas en 1801 por separado y con distinta numeración. Pese a la separación, eran conjuntamente obras decisivas. Hasta entonces Beethoven había seguido los esquemas que
Mozart había acuñado en su serie de sonatas para clave o fortepiano y
violín, pero en lo sucesivo mostraría una evolución muy concentrada en
los pocos años que dedicaría a la literatura para esta combinación
instrumental.
En la Sonata n.º 4 en La menor, Op. 23, empieza a notarse más claramente que en sus predecesoras el estilo beethoveniano, especialmente en el casi salvaje Presto inicial, una especie de giga con una gran
sección de desarrollo. También en el Andante scherzoso, construido
sobre una breve fórmula rítmica a contratiempo, que compensa la
oscuridad del primer movimiento. El Allegro molto final, un agitado rondó con el tema principal en tono menor y varias estrofas en tono mayor,
tiene un cierto sabor mendelssohniano en su conciso y ágil motivo
recurrente. Aparentemente encaminada hacia un climático final, concluye inesperadamente con un rápido decrescendo.
La Sonata n.º 5 en Fa mayor, Op. 24, primera de Beethoven en cuatro
movimientos, es una de las más bellas de la colección. Tiene un carácter sonriente y optimista, causa –tras la muerte del autor–, del apodo
de Primavera. El movimiento inicial, un Allegro de sonata, comienza con
un tema fluido, amable y cantable, sorprendente en quien por lo común
construía más sobre pequeños motivos o diseños que sobre melodías
de amplio trazo. Pero la atmósfera de serena contemplación es truncada por el segundo tema, en tono menor, de energía rítmica característicamente beethoveniana. El Adagio molto espressivo es una especie de
canción sin palabras; un aria acompañada por ondulantes arabescos
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melódicos. Le sigue un breve Scherzo –el primero en una sonata de
Beethoven–: un Allegro molto que tiene en sus notas a contratiempo un
aroma schumanniano. Y concluye con un Rondó, Allegro ma non troppo
que utiliza, en homenaje a Mozart, el tema del aria Non più di fiori de
La clemenza di Tito. Movimiento de gran originalidad, hace inesperadas
disgresiones hacia territorios armónicos lejanos sin aminorar el rico
lirismo propio de la sonata toda.
Si cuando Beethoven comenzó sus sonatas para violín y piano el problema consistía en acabar con la prevalencia de éste y hallar el equilibrio entre los dos instrumentos, más de un siglo después, explorada
hasta la saciedad la fórmula del equilibrio, la cuestión ya no era dar con
un molde impecable sino dotarlo de los contenidos expresivos renovados que la modernidad había hecho aceptables. Las dos sonatas que
completan la sesión son dos de los mejores ejemplos que el siglo XX
ofrece.
Poco habitual entre nosotros, demasiado poco habitual, Karol Szymanowski (Tymosszowka –hoy Ucrania– 6-10-1882, Lausana 29-3-1937),
es el gran compositor polaco de la primera mitad del siglo XX. Seguidor en principio de Chopin, Wagner, Brahms y Strauss, sus viajes por
Europa lo llenaron de experiencias visuales y auditivas que enriquecieron sus obras. Refugiado en la finca familiar durante la Primera Guerra
Mundial –por inútil para el servicio–, allí meditó e inició una creación
original: polaca y europea, pero con un especial interés por las pinceladas orientalizantes. Como tantos músicos de la época, tuvo también
su período neoclásico, una de cuyas cimas fue Mitos, tres poemas para
violín y piano, Op. 30, tríptico alusivo a mitos clásicos que escribió de
marzo a junio de 1915, como resultado del interés que por el violín le
suscitó el violinista Pawel Kochanski. Obra de compleja armonía, su
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escritura violinística es verdaderamente novedosa por el uso constante
del registro agudo y la utilización de armónicos, portamentos –obligados
y claramente anotados en la partitura–, y otros recursos hasta entonces
insólitos en el instrumento, que amplían las posibilidades dramáticas y
líricas hasta entonces logradas por la combinación violín-piano. Dedicados a Madame Kochanska, los Mitos fueron de inmediato aceptados
por los mejores violinistas. No se sabe a ciencia cierta quién los estrenó, pero sí que uno de sus grandes defensores fue Szigeti, que en su
estreno en Budapest el 12 de noviembre de 1921 fue acompañado
nada menos que por Béla Bartók.
La ninfa Aretusa, para no ceder ante el acoso del cazador Alfeo, se
convirtió en una fuente de la lejana isla Ortigia. Pero Alfeo, que tampoco era moco de pavo, logró convertirse en un río que, cruzando el
mar sin mezclarse con él, alcanzó la isla hasta fundirse finalmente con
La fuente de Aretusa. El poema musical, que en su brevedad atesora
una extraordinaria riqueza de recursos, es de una complejidad armónica que hace imposible una breve explicación. El oyente percibirá sin
dificultad el permanente y logradísimo contraste entre el piano aguanoso evocar de la fuente y el violín deslizante, como Alfeo, hasta la
fusión final.
Narciso se creía tan apuesto que despreciaba a quienes lo pretendían.
Por rechazar la ninfa Eco, fue maldito por los dioses y condenado a
enamorarse de su propia imagen reflejada en la corriente y permanecer allí, prendado de si mismo pero sin lograr asir el objeto de su amor,
hasta la muerte. También esta vez la música evoca la plácida corriente
en que el Narciso virtual queda atrapado y al Narciso real, eternamente ligado a una pasión inasequible.
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Pan era el dios de los pastores, los campos y las veredas, mientras que
las dríades lo eran las ninfas de los árboles, cuya vida solo duraba lo
que el árbol a que cada una estaba unida. Vagamente programático, el
tercer movimiento, Dríades y Pan evoca los cantos y danzas de las dríades en una noche de estío. Irrumpe luego la trepidante flauta de Pan
(representada por el violín), que desaparece luego permitiendo volver
a escuchar el jolgorio de las ninfas. La música, siempre rica y original,
evoca los murmullos de las dríades no solo con esperables trinos sino
también con originales alteraciones en cuartos de tono.
El moravo Leoš Janáček (Hukvaldy 3-7-1854, Ostrava 12-8-1928), es
la gran figura de la música checa de finales del XIX y comienzos del
XX; dicho más claramente, el mejor compositor checo posterior a
Dvořák. También es uno de los muchos autores modernos que merecerían aparecer en cartel mucho más de lo que lo hacen. Uno de los
grandes operistas del XX, perfectamente comparable a los Strauss,
Puccini y Britten, se interesó también por los demás géneros musicales: como la música de cámara, de la que tiene muestras más logradas
que numerosas. Algunos de sus cuartetos de cuerda mantienen cierta
popularidad que no ha logrado en cambio la obra hoy en programa.
Escrita en 1914, la Sonata para violín y piano no era el primer intento de
Janáček de crear semejante composición. Ya lo había pretendido en
sus tiempos estudiantiles en Leipzig y Viena, pero sus dos sonatas tempranas, inacabadas, se consideran perdidas. Fue treinta y cinco años
después cuando retomó el interés por la combinación violín-piano y
escribió la Sonata en los albores de la Guerra. El 21 de enero de 1922,
con la obra recién editada, el compositor declaró: Escribí la sonata para
violín en 1914, en primavera, cuando esperábamos la llegada de los
rusos. Para no perder el tiempo, había reutilizado el tercer movimiento
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de la segunda sonata –escrita en Viena en 1880–, una Ballada que en
la primera redacción colocó como tercer movimiento, pero al revisar la
sonata en 1922 la mudó al segundo puesto, quedando la sonata definitiva formada por cuatro movimientos: Con moto, Ballada, Allegretto y
Adagio. Tras diversas correcciones, la obra fue impresa en 1922 (de ahí
que sea usualmente conocida como Sonata 1914/1922). El estreno
corrió a cargo del violinista František Kudláček y el pianista Jaroslav
Kvapil el 24 de abril de 1922 en Brno, y la primera ejecución foránea
(Fráncfort, 1923), se debió a otro gran compositor: Paul Hindemith, que
tocó el violín.
El tema de apertura del primer movimiento, Con moto, parece una
metamorfosis de la penúltima escena de la ópera Katya Kabanová. El
tono general es a la vez apasionado y rapsódico, haciendo un uso libre
de la forma sonata. Es precedido por una breve cadencia de violín. Un
segundo tema parece una lejana anticipación de Señor, ten piedad de
nosotros de la Misa glagolítica de 1926.
El segundo movimiento, titulado Ballada como se ha dicho, parece relacionado con una melodía folklórica imaginaria, quizás rusa. Su lirismo
evoluciona desde la atmósfera inicial de cuento popular hasta el de un
nocturno cada vez más secreto, acabando en la improvisación turbulenta y torturada de un segundo tema cuya recapitulación es una de las
claves de la emoción escondida de la obra.
También el Allegreto, tercer tiempo, utiliza un tema del destino tomado
de Katya Kabanová. Su desarrollo es particularmente original por las
tonalidades que recorre como el uso de técnicas contrapuntísticas. Es
preciso esperar la reprise del Allegretto, como recapitulación, para que
este scherzo revele cierto carácter ruso.
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El Finale, que comienza con un Adagio, es a la vez expresivo y salvaje.
Mientras que el piano permanece en la bruma de una secuencia de
acordes piano dolce, el violín interviene feroce con interrogantes brutales y urgentes que tardarán muchos compases en llegar a cierta calma. Pero el contraste se renueva en un pasaje poco più mosso, rubato
con crescente emozione donde los dos instrumentos parecen darse la
espalda y emprender caminos antinómicos. Tras una cima de unos
veinte compases donde el violín no explota más que un solo acorde en
cada intervención, un maestoso opone esta vez a los dos instrumentos:
el violín fortissimo sobre la cuerda de sol, el piano en el registro agudo,
hasta que una reaparición del Adagio inicial viene a suspender ese diálogo imposible en una ansiosa interrogación, curioso final para una
obra de impopular dificultad.
Beethoven escribió sus sonatas, serenas y optimistas, en 1800-1801,
cuando todavía creía en el futuro de la Revolución. Janáček escribió la
suya, hermética y desesperada, en un mundo que se hundía aplastado
por la guerra. Ambos, cada uno en sus circunstancias, acertaron a
resumir en unas pocas páginas el espíritu de sus días. Porque no eran
solo escritores de música. Como grandes artistas que eran, fueron
auténticos testigos de su tiempo.
Antonio Lasierra
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Programa
PRIMERA PARTE
L. v. BEETHOVEN
Sonata n.º 4 para violín y piano en La m, Op. 23
Presto
Andante scherzoso, più allegretto
Allegro molto
Duración media de la ejecución 20’
K. SZYMANOWSKI
Myths, Op. 30
La fontaine d’Arethuse
Narcisse
Dryades et Pan
Duración media de la ejecución 20’
SEGUNDA PARTE
L. JANÁČEK
Sonata para violín y piano (1922)
Con moto
Ballada
Allegretto
Adagio
Duración media de la ejecución 17’
L. v. BEETHOVEN
Sonata n.º 5 para violín y piano en Fa, Op. 24 «Primavera»
Allegro
Adagio molto espressivo
Scherzo. Allegro molto
Rondó. Allegro ma non troppo
Duración media de la ejecución 24’
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Imagen portada: PARDIÑAS, 1935 • Imprime: Navarro & Navarro Impresores • D.L.: Z-91/2009 • La organización se reserva el derecho de variaciones de días y sustituciones de artistas y programas por causas obligadas de fuerza mayor
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GOBIERNO
DE ARAGON
CULTURA Y PATRIMONIO
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Cultura y Deporte
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